Sie erleben Menschen in einer perfekten Welt, in der alles funktioniert, und in der es weder Angst noch Schmerz noch Regen noch wahre Gefühle gibt. Dass diese Welt schwarzweiß ist – die Szenerie der Handlung in der Handlung ist schwarzweiß, von den Bauten bis zu den Darstellern –, stört ihre Bewohner nicht, da sie nichts anderes kennen. David und Jennifer wissen: Sie sind zu Besuch in einer fiktiven Welt.

Leider nur stecken die beiden Zeitreisenden mit ihrem externen Wissen bald die anderen an. Und die anderen, bisher gefangen in ihrem goldenen Käfig des Unwissens in einer heilen Welt, schnuppern die Freiheit. Sie beginnen zu spüren, dass es nicht nur um Sicherheit geht, sondern dass die Freiheit es verdient, die Unsicherheit in Kauf zu nehmen. Sie erfahren etwas, was sie bisher nicht kannten.

Vorläufig sind die Bewohner von Pleasantville darauf angewiesen, dass alles wie gewohnt funktioniert: Bar-Chef Bill (Jeff Daniels) ist hilflos, wenn die Prozesse mit seinem Angestellten Bud nicht perfekt ablaufen. Er verharrt sinnentleert in einer Routine, wenn die Abfolgen nicht mehr stimmen, weil Bud zu spät kommt – ähnlich wie Mitarbeiter in Unternehmen hilflos mit den Armen rudern, wenn Unvorhergesehenes geschieht.

Alles im Leben der Ablaufdenker hat seine Ordnung. Und niemand in Pleasantville kommt auf die Idee, einmal etwas Nonkonformes zu tun. Die Regeln sind definiert. „Bud?“, fragt Buds Mutter (grandios, grandios, grandios: Jane Kaczmarek). „Es ist acht Uhr morgens, du siehst doch nicht etwa fern?“ Das Weltbild der Ablauforientierten in „Pleasantville“ beschreibt exakt, worunter unsere Gesellschaft leidet. Wir reagieren nicht den Situationen gerecht, sondern an Regeln orientiert. Dadurch verhindern wir die Entwicklung von Potenzialen.

Als Jennifer in der „Pleasantville“-Figur Mary Sue Parker ihren Verehrer verführt, kommt Farbe in den Film. Barbesitzer Bill erkennt, dass er gar nicht auf Abläufe angewiesen ist, sondern dass er selbst entscheiden kann, was er wann und vor allem wozu tut. „Nie verändert sich etwas“, klagt er, „nichts wird besser oder schlechter.“ In einer wunderschönen Szene reicht ein Mädchen Bud eine Frucht vom Baum der Erkenntnis, und auch er beißt zu, obwohl er das Schicksal der Figuren kennt. Noch wissen sie nicht, dass sie sich befreien – nur Bud weiß es. „Diese Leute wollen nicht beknackt sein, sie wollen attraktiv sein“, sagt Jennifer.

Nachdem Freiheitsromane wie „Huckleberry Finn“ auftauchen, sind immer mehr junge Menschen im bisher sterilen Pleasantville infiziert. Immer mehr Menschen bekommen Farbe (technisch ergeben die einzelnen Farbtupfer in einer Schwarzweißwelt mitunter großartige Bilder). Schließlich nähert sich Buds Soap-Mutter Bill an, der seine Liebe zur Malerei entdeckt hat – und weil sie zu Hause nicht mehr den Regularien des Hausfrau-und-Mutter-Daseins entspricht, holen die Bewahrer der Verhältnisse zum Gegenschlag aus. Nun wehren sich die Bewahrer, und das tun sie in den Bildern der Regie in faschistischer Weise, mit Bücherverbrennung, Kunstvernichtung und Schauprozess.

Verboten wird Musik, die nicht „als gemäßigt und angenehm empfunden wird“. Einzige Malfarben sind Schwarz, Weiß und Grau. Auf die Lehrpläne kommt die „Unveränderlichkeitsgeschichtsauffassung mit Schwerpunkt auf Kontinuität und nicht auf Veränderung“. Die Regelorientierungen unterwerfen die Sinnorientierten.

Die Bewohner von Pleasantville sind nur vordergründig so banal wie Soap-Charaktere. In Wahrheit sind sie so banal wie Menschen, die ein Schablonenleben führen wie Soap-Charaktere und daher sehr leicht nicht nur willfährige Helfer von Diktaturen werden, sondern eben auch brave Aufgabenerfüller in sinnentleerten Systemen sind. Wenn die Filmkritik nur den reinen Unterhaltungswert des Films beurteilt, wie ihn Menschen ohne Empfinden für die Bedeutung des Filmes sehen, verpasst sie leider den wesentlichen Aspekt. „Pleasantville“ zeigt, warum Menschen nur für möglich halten, was sie bereits kennen; warum das Denken in Abläufen das Denken in Möglichkeiten verhindert und warum das blinde System-Gehorchen das Individuum blockiert. Der Film macht klar, dass Gesellschaften Kreativität, Selbstbestimmung und vor allem den externen Blick auf sich selbst brauchen, um sich selbst entwickeln zu können.

Nachdem Bud und Bill das neue Gesetz absichtlich brechen und die Polizeiwache mit verbotenen Farben und Motiven bemalen, knickt Bill vor Gericht erst ein – aber Bud beweist, dass die Verwandlung vom schwarzweißen Denken ins Denken in Farben jedem Menschen innewohnt. Freiheit ist nicht relativierbar. „Menschen verändern sich“, sagt Bud zu seinem Soap-Vater (genial: William H. Macy). Der erwidert: „Das ist nicht fair! Du gewöhnst dich an eine Sache, und dann …“ – „… ich weiß: ist alles anders“, reagiert Bud.

Wir können die Entwicklung der Menschen nicht aufhalten, ist die Botschaft – und es lohnt sich auch nicht, deswegen Diktaturen zu errichten (oder auch nur Bildungssysteme, die den Menschen die wesentlichen Inhalte vorenthalten). Klüger ist es, den Menschen ihre Entwicklungspotenziale zuzugestehen. Bud befreit durch die richtigen Worte sogar seinen Vater vor Gericht von der Schwarzweißwelt und macht ihn farbig. Doch der Vorsitzende Richter beharrt nach wie vor auf seinen Theorien, statt die Realität anzuerkennen, obwohl er genau sieht, was geschieht – wie so mancher Richter in unserer Welt, der lieber Theorien folgt als der Wirklichkeit.

Verrückt, oder? All dies erzählt ein Hollywood-Film. Vom Genre her ist „Pleasantville“ mitunter als Komödie verschlagwortet, zugleich aber auch als Drama und Fantasy. Ich finde es schön, dass ein Film ohne klares Genre so gut sein kann. Verwandt ist die „Truman Show“, aber auch so etwas Komödiantisches wie „Mouse Hunt“, zwei weitere Lieblingsfilme von mir.

Der Film ist nicht nur eine Gesellschaftsmetapher, sondern beschreibt auch fürs Individuum genau, worum es geht, wenn wir von einem fremdbestimmten Leben oder einem selbstbestimmten Leben sprechen. Es geht in der Tat um Erkenntnis. Sie ist der Schlüsselbegriff. Die Unterscheidung wird klar zwischen einem Leben in Mustern und einem kreativen Leben, in dem jemand die Möglichkeiten sieht und selbst entscheidet, welche Systeme wir brauchen, um zu leben.

Der Schlüsselsatz des Films, ausgesprochen von Tobey Maguire: „Es gibt keine Regeln, wie das Leben sein soll.“ Seine Schwester am Ende zu ihm, als sich Pleasantville der Welt öffnet: „Ich habe genug herumgehangen, David, irgendwann ist es langweilig“. Und plötzlich sind beide erwachsen, und sie tun das, was wirklich wichtig ist.

Warum war der Film kein Blockbuster? Ich vermute: Die wenigen, die seine Aussage verstehen, genügen nicht, um die Kinos zu füllen. Die anderen verstehen nicht, worum es geht, weil wir Menschen nun einmal nur anerkennen, was wir schon kennen, wie der Film zeigt.

Die Welt verändert sich – wer am Alten festhält, verliert. Wer sich dagegen bereit erklärt, seine Potenziale angesichts von Veränderungen zu entdecken und zu erarbeiten, gewinnt. Und um Jennifers Replik zu zitieren, wonach Menschen nicht beknackt sein wollen: Sie wollen glücklich sein.

Es tut sehr gut, wenn man nach langer Zeit der gesellschaftlichen Missachtung endlich die Würdigung erhält, die man verdient …

… als Held für die Menschen überall auf der Welt, die in demütiger Dankbarkeit endlich einmal zu würdigen wissen, was jemand wie ich alles so leistet, vor allem wenn es darum geht, den Menschen Orientierung und eine Perspektive zu schenken, …

… ob als gesellschaftliches Vorbild für jung und alt, Arbeitnehmer und Selbstständige, konvergent und divergent denkende Menschen, …

… Kunstliebhaber und Freunde moderner Abstraktionen, …

… und auch als Großer Bruder, der über den Frieden in der Stadt wacht, übereifrige Juristen in die Schranken weist und auf jeder Werbetafel und in jedem privat gesprochenen Wort auf Klartext achtet.

Und das nur, weil ich in Schweden brav Rundfunkgebühren bezahle, wie man in diesem Image-Film hier sieht.

Ist es nicht eine schöne Idee für virales Marketing, in so einen Film einfach Fotos von Menschen reinzuladen, die man kennt? Danke an Linda für den Hinweis! Wer selbst sein Konterfei oder das eines lieben Menschen in dem schwedischen „Danke-Film“ sehen will, kann es hier in den Film an Stelle meiner reinladen.

Oder eben so:

Die Tage zwischen Weihnachten und Neujahr sind grandios. Nichts ist los. Es hat geschneit, es ist Stille. Die Katze war die Nacht draußen und kam heute früh verfroren durchs Fenster. Jetzt liegt sie auf der Ofenbank und schläft.

Von einigen Dingen abgesehen, die zu erledigen sind – das eine oder andere Konzept formulieren, zwei Seminare vorbereiten und anderes –, ist die Zeit zwischen Weihnachten und Neujahr perfekt zum Musikhören, Lesen und Filmeschauen:

Meine Musikempfehlung ist Arvo Pärt für alle, die zeitgenössische Komponisten mögen, die kein affektiertes Zeug glauben machen zu müssen, um modern zu sein – und sowieso für alle Freunde ernster Musik, denen Bachs „Matthäuspassion“ inklusive solcher Super-Hits wie „O Haupt voll Blut und Wunden“ oder Verdis „Requiem“ wie fröhliche Kölner Karnevals-Schenkelklopfer vorkommen. Vor allem empfehlenswert sind Arvo Pärts Alben „Fratres“, „De profundis“, „Lamentate“ und „Passio“. Soeben höre ich „Passio“, sehr düster. Neu und eben erst bestellt ist „In principio“, ich bin gespannt. Das Video unter dem letzten Link gibt einen Vorgeschmack für alle, die Pärt noch nicht kennen, außerdem findet man Pärt auch bei iTunes.

In Sachen Lesen habe ich „Maus“ von Art Spiegelman wieder ausgegraben: Die Geschichte eines Holocaust-Überlebenden, dem Sohn berichtet und von diesem als Comic gezeichnet – das Buch, das über Nacht die Geschichte des Comics änderte, wie der Verlag schreibt. „Art Spiegelman verwendet den Comic-Strip und sprechende Tiere, um das Unbeschreibliche auch jenen nahezubringen, für die der Holocaust Geschichte ist – und eine Geschichte unter vielen – geworden ist“, schreibt The New York Times Book Review. „Ein Epos in winzigen Bildern.“ Sicher gibt es „Maus“ auch im amerikanischen Original, aber gerade die deutsche Übersetzung ist hier bemerkenswert, auch wegen der teilweise jiddischen Grammatik.

Dann empfehle ich „Kaltblütig“ von Truman Capote. Es ist kein Thriller im landläufigen Sinne, kein Whodunit, sondern das Buch erzählt die Geschichte eines authentischen Vierfach-Mordes im Jahr 1959 in Kansas und die folgenden Ermittlungen bis zur Hinrichtung der Täter. Das Buch ist trotz seiner mehr als 500 Seiten sehr rasch zu lesen, und Spaß macht die Erzählung in jeder Hinsicht: „Er war ein guter Wachhund, achtsam, tapfer und jederzeit zum Anschlagen bereit; er hatte nur einen Fehler: Kaum erblickte er, wie jetzt, ein Gewehr – denn die Eindringlinge waren bewaffnet –, senkte er auch schon den Kopf und zog den Schwanz ein.“ – „Ich wollte dem Mann nichts tun. Ich fand ihn eigentlich sehr nett. Höflich. Bis ich ihm die Kehle durchschnitt.“ – „Green hilet inne und betastete ein Furunkel in seinem Nacken, ein entzündetes Geschwür, das, wie sein zorniger Träger, jeden Augenblick zu platzen drohte.“ Kaltblütig ist auch die stupide Regelorientierung des Richters, der eine Menge entlastender Aussagen nicht hört, weil er sich strikt an die Gesetze des Staates Kansas hält: Die Frage „Können Sie das näher erläutern?“ ist eine Entscheidungsfrage, alle Antworten außer Ja oder Nein sind unzulässig, und der Zeuge wird entlassen.

In Sachen Film schließlich: die Krimis von Wolfgang Murnberger, ein Geschenk von Stefan Frädrich, vor allem hübsch der Thriller „Silentium“. Hinter der strengen österreichisch-religiösen Fassade Salzburgs und der Salzburger Festspiele schanzt der Festspielleiter mithilfe eines Geistlichen den Bühnenstars Frischfleisch zu, und hier besticht nicht nur der trockene Humor („Wir brauchen hier keine Schnüffler.“ – „Ich bin nur aus touristischen Gründen hier.“ – „Wehe, wenn ich Sie mal abseits irgendwelcher Sehenswürdigkeiten treffe.“ – „Das kann nicht passieren, ich habe einen Reiseführer.“), sondern auch die Besetzung mit Josef Hader (der gute Verlierer), Joachim Król (der korrupte Pfaffe), Jürgen Tarrach (der perverse Opernsänger) und Christoph Schlingensief (der Opernregisseur). Unbedingt sehenswert.

Seltsame Entdeckung in dem Zusammenhang: Viele alte Filme lassen sich nicht mehr sehen, andere doch. Beispielsweise „Schtonk“ erscheint mir heute langatmig und bemüht, ebenso „Kottan ermittelt“, und zwar ebenso wie „Sissi“ und „Kir Royal“, es gibt viele weitere Beispiele. Die Filmsprache hat sich verändert, das Hollywood-Prinzip „Spät rein, früh raus“ gilt heute mehr denn je, und erzählerische Redundanzen nerven – ich habe etwas begriffen, wenn ich es begriffen habe, und dann brauche ich nicht noch weitere fünf Sekunden zum Kapieren, sondern will, dass es weitergeht. (Auch manche heutigen Filme ignorieren diesen zunehmenden Anspruch an Verdichtung komplett, etwa der in meinen Augen völlig misslungene Til-Schweiger-Film „Keinohrhasen“, in dem es vor unmotivierten und dramaturgisch nichtssagenden Episoden nur so wimmelt). Andere alte Werke sind noch immer ansehnlich und zeitlos wie beispielsweise „Michel aus Lönneberga“ oder die „Tatort“-Folgen mit Schimanksi. Storylining ist eben noch immer eine seltene Kunst in Deutschland.

Außerdem freue ich mich auf einen Film, den ich – ich weiß, unverzeihlich – bis heute nicht gesehen habe, mir aber irgendwann die Tage gönne: „E.T.“.

In den vergangenen Monaten verlangte jeder große deutsche Stoff dem TV-Publikum die Unzumutbarkeit ab, den Fernseher zu festen Zeiten mehrmals einzuschalten, damit man dann allerhand weitschweifiges und redundantes Zeug sah, das für die Erzählung selbst nicht wichtig war. Es scheint, als würden deutsche Filmemacher nicht verstehen, dass jeder Stoff an einem Abend zu erzählen ist, und als würde es das Fernsehen selbst heute angesichts schneller Erzählungen nicht verstehen.

Beim Leben Marcel Reich-Ranickis kann es das Fernsehen plötzlich. Was nicht vom Stoff abhängt. Bei jedem Stoff geht das. Auch wenn die Biografie mit MRRs Anfang in der alten BRD endet, hätten andere Filmemacher mehrere Teile daraus gestrickt, dazu bräuchten sie nur das Stichwort „Zweiter Weltkrieg“ zu hören. Insofern war die Kürze der Darstellung für mich völlig überraschend. Bei der Verfilmung von Reich-Ranickis Leben bis Anfang der 50er ist alles klar und kurz erzählt, keine Einleitungen, kein überflüssiger Schmuck, es ist fast ein Hollywood-Schnitt, in der jede Sekunde zählt. Und die Hauptperson des Geschehenes dieser Verfilmung, Reich-Ranicki, hat für diesen Film nur Lobesworte.

Es gibt viel, was mir an diesem Film gefällt. Regie, Darsteller, Montage. Und es gibt fast nichts, was mich an diesem Film stört. Zu wenig, um es zu erwähnen, daher erwähne ich es nicht. Erst dachte ich, mich stört die Erzählung anhand der Rückblenden, weil ich nichts für Rückblenden übrig habe. Doch hier erkenne ich die Rückblenden an, weil MRRs Tätigkeit beim polnischen Geheimdienst erst in jüngster Zeit zum Thema wurde und daher zu Recht das Leitmotiv der Biografie des größten Literaturkritikers Deutschlands darstellt.

Es ist dramaturgisch in jeder Hinsicht sinnvoll, Reich-Ranickis Leben als Erklärung aus dieser Perspektive darzustellen. Und es ist viel spannender und lebendiger, als wenn man hochvergeistigt Reich-Ranickis Leben als das Leben eines Literatur- und Theaterkenners aus rein intellektueller Sicht dargestellt hätte, mit seinen oft gehörten Argumenten für Kleist, Thomas Mann, Tucholsky und all die anderen Größen, mit deren Verehrung Reich-Ranicki im „Literarischen Quartett“ und in „FAZ“-Beilagen das breite Publikum oft von sich ferngehalten und selbst die Akademiker zeitweise genervt hat. Literatur ist wichtig, aber hier geht es weniger um Reich-Ranickis Passion, sondern um sein Leben. Die Abwesenheit großer Literatur und stattdessen die Anwesenheit konkreten Erlebens machen diesen Film zu mehr als nur sehenswert und wichtig. Er ist große Klasse.

Mittwoch, 15. April 2009, ARD, 20.15 Uhr

Der US-Soldat Joe Bauer und die prostituierte Zivilistin Rita werden für ein Experiment eingefroren und leider vergessen. Durch einen Erdrutsch auf einer Müllhalde fünfhundert Jahre später öffnen sich ihre Metallsärge, und beide sehen sich einem verblödeten, verslumten und von einer Inflation gequälten Amerika entgegen.

Die Parallelen zur heutigen Welt sind beeindruckend: Eine mächtige Industrie vermarktet unnütze Energydrinks. Man hat vergessen, dass Wasser zum Trinken ausreicht und Pflanzen beim Wachsen hilft. Die Landwirtschaft ist tot, weil grüne Energydrinks kein Getreide wachsen lassen, und obwohl nichts funktioniert, verteidigt die blöde Masse von PR-Lügen eingeseifter Idioten das grüne Zeug, weil es Elektrolyten beinhalte und weil die Energydrink-Industrie Arbeitsplätze schaffe. Joe Bauer, der sich für Wasser auf Feldern einsetzt, wird Opfer des spottenden Pöbels und verliert bei einer Brot-und-Spiele-Veranstaltung fast sein Leben. Nur durch Zufall schwenken Fernsehkameras auf zarte Keimlinge, die dank Joe Bauers Wasser-Einsatz wachsen.

Ein Zurück ins Amerika der Gegenwart gibt es für die beiden leider nicht: Zum Bauen funktionierender Zeitmaschinen sind die Menschen der Zukunft zu blöd. Also wird Joe Bauer, einst für das Experiment als Durchschnitts-Amerikaner ausgewählt, wegen seines extrem hohen IQ Präsident der USA. Rita, die zunächst CEO bei Starbucks werden will, wird First Lady.

Und leider ist es wie am Anfang: Das intelligente Paar zeugt wiederum weniger Kinder als all die dummen Paare, und wieder zeigt sich die Tendenz, dass sich die Denkmuster dummer Menschen stärker durchsetzen als die Denkmuster intelligenter Menschen. Das Niveau strebt unaufhaltsam nach unten.

Ein Film mit absurder Handlung, aber das ist völlig gleichgültig, es geht nur um die Bilder, die Effekte und die Spannung. Steven Spielberg konstruiert Kunst, und Film ist Kunst, Film ist nicht realistisch oder naturalistisch, oder muss es zumindest nicht sein. Der Vergleich mit „Munich“, dem in meinen Augen besten Spielberg-Film, zeigt mir mal wieder, zu welch verschiedenen Genres der Mann fähig ist. Manche Bands bestehen zwar aus wundervollen Musikern, spielen aber immer das Gleiche, immer dasselbe Genre. Spielberg macht, was er will, und jeweils kann er es.

Anders als gewohnt, außer Berlinale: Die Leute im Kino klatschen wie im Theater. Bei den Auftritten von Ford, Cate Blanchett, Karen Allen – und bei gelungenen Drehbuchpassagen in Dialog oder Handlung. Man spürt, das Publikum hat Filmahnung. Aber das ist am Sunset Boulevard vielleicht nicht unbedingt Zufall. Auch während der Abspann mit den Noname-Mitwirkenden läuft, brandet in der einen oder anderen Ecke des Kinosaals immer mal wieder Applaus von fünf bis zwanzig Leuten auf. Man ist da. Man sieht seinen Film.

Danach in einen Laden namens „Citizen Smith“, einer wunderschönen Open-Air-Location im Hinterhof mit Blick auf Nachthimmel, entlegene Werbetafeln, einer pompösen Treppe zu einer pompösen Dachterrasse, Kronleuchtern, Stahlträgern, roten und gelben Lichtern. „Das Schweigen der Lämmer“ auf dem Spielfilm-Channel und jede Menge schöner und unaufgeregter Menschen.

Hollywood ist relaxt. Es ist up-to-date und modern, in guten Läden läuft House oder Rock, und die guten alten Rocktitel Amerikas laufen in Supermärkten, Boutiquen, Friseurläden und Zeitschriftenläden.

In 16 Stunden geht es weg von hier und eine elend lange Strecke im Flieger heimwärts. Dort werde ich im Auto Rockradio einstellen und mich auf die nächste Reise hierher freuen.

Dabei macht er allerhand Dummheiten: Er schenkt der neuen Nachbarin eine Waschmaschine vom gemeinsamen Ehe-Geld, er verschenkt den Gummibaum aus der gemeinsamen Wohnung mit seiner Frau. Alles durchsichtig und nicht hinterhältig, und darum wird die Figur in dem Moment unglaubwürdig, wo sich Moll gegenüber seiner Frau eine Lüge ausdenkt, warum die 200 Euro (für die Waschmaschine) fehlen. Er mache einen Holländisch-Kurs, lügt Prahl, nicht nur aus Perspektive der Figur völlig aus der Luft gegriffen, sondern offenkundig auch aus Sicht des Drehbuchs. Und das macht die Figur kaputt, denn Prahl ist Charakterdarsteller für einfache, ehrliche Figuren. Den Lügner nehme zumindest ich ihm nicht ab.

Drehbuch und Regie in Personalunion zu packen (Bernd Böhlich) ist üblicherweise ein Garant für ein Misslingen eines Films, da die Regie die Ungereimtheiten aus der Feder einer Künstlerseele nicht zu glätten weiß, wenn der Produzent zu schwach ist, um das Missverhältnis auszugleichen und offenbar kein Gespür für den wirtschaftlichen Erfolg eines Plots hat. Arm, wenn überdies die Grundidee aus Andreas Dresens „Halbe Treppe“ geklaut ist. Und so nimmt das dramaturgische Unheil aus lauter halbgaren Einfällen seinen Lauf: jede Menge angerissene Motive und tote Handlungsfäden, schließlich kein sauberes Ende der vielen angefangenen Ideen – eine dramaturgische Qualität, die mancher Filmhochschul-Streifen schlägt.

Wozu die Nebenstory mit dem arbeitslosen Physiker (Herbert Knaup) und seiner Ex (Karoline Eichhorn), die zwar nichts mehr von ihm hören will und ihn weder liebt noch hasst, aber dennoch in seinem Namen und ohne sein Wissen Zettel „Gebe kostenlos Mathe- und Physik-Nachhilfe“ an Laternenpfähle pappt? Wozu der Aufstand des Physikers beim Arbeitsamt, warum sucht er plötzlich einen Job, obwohl er vorher vorgerechnet hat, dass er ausgesorgt hat? Fehlende Motive, tote Motive – lauter wirre Einfälle, die der Autor der Geschichte wohl hübsch fand und die der Regisseur nicht rauswerfen konnte, weil er eben auch der Autor ist.

Schließlich löst der Film den angerissenen Konflikt nicht einmal. Moll fährt mit der Bahn nach Holland (warum?), obwohl er beim Abschied am Telefon am lauten Bahnsteig irrtümlicherweise glauben muss, seine geliebte Russin habe ihm ein „Ich liebe dich“ ins Ohr gehaucht.

„Halbe Treppe“ war wesentlich besser, dort fand der Plot eine Auflösung, wie man das vom Erzählkino erwartet (und die angerissenen Motive bei „Du bist nicht allein“ finden nicht aus künstlerischen Erwägungen kein Ende, sondern aus dramaturgischer Hilflosigkeit). Ging das Geld aus, weil der Autor-Regisseur über zu viele Nebensachen plaudern wollte, wurde der Streifen etwa gar nicht zu Ende gedreht? Diesen Eindruck hat man am Schluss, wenn mitten in der Handlung der Abspann kommt und der Film die Zuschauer sitzen lässt wie bei einem Coitus Interruptus.

Keine erwachsene Erzählkunst, bestenfalls eine Fingerübung und ein Negativbeispiel für angehende Drehbuchautoren, Dramaturgen und Regisseure, dank der Schauspieler und der Drehorte immerhin eine Projektionsfläche für Ost-Erinnerungen, aber wesentlich weniger gut und nur halb erzählt wie „Halbe Treppe“. „Viertel Treppe“ sozusagen.

Der klassische Filmkritiker ist ein überernährter, satter Medienheini, der sich Wochen vor den Filmstarts die Pressevorführungen reinzieht, etwa fast täglich 10.30 Uhr im Filmpalast am Kurfürstendamm, und der dann entsprechend Wochen Zeit hat, seine Story zu schreiben, die dann als Vorprodukt irgendwann im Blatt landet oder im Hörfunk verlesen wird – und der den Job seit Jahren macht und aufgrund der Kontinuität in den entsprechend gleich bleibenden Schemata denkt.

Selten brechen Filmkritiken aus diesem gewohnten klischeehaften Raster aus. Einen solchen Ausbrecher bringt Spreeblick. Es geht um „Shooting Dogs“. Sicherlich kein „schöner“ Film – und ihn zu „kritisieren“ mag aufgrund seines berührenden und auf Fakten beruhenden Inhaltes kaum möglich sein. Aber es ist auf jeden Fall ein Film, den ich aufgrund dieses Textes anschauen werde, der so weise ist, dass er eben nicht kritisiert. Und das hat schon lang keine Filmkritik mehr geschafft. Ins Kino bekommen mich meistens nur Vorschauen, also Produktproben. So wie jemand ein Parfum beschreiben kann, wie er will – überzeugend ist die Probe, die in einer Zeitschrift eingeklebt ist oder die ich in der Tüte finde.

Wenn es nicht nur Filmkritiken, sondern auch Kritikenkritiken gibt, dann ist das hier eine. Ich finde Talkys berührenden Text über „Shooting Dogs“ grandios, weil er nicht nur Gefühle erzeugt, sondern auch emotional beweist, dass die Gefühle im Kritiker authentisch sind. Sie sind nicht – wie bei Buchbesprechungen und Filmkritiken üblich – der Abdruck des xten vorsichtig vorgebrachten Aufgusses eines emotionalen Themas, leserheischende Masche oder schwulstig-kitschige Attitüde. Wobei ich „Kitsch“ hier als „falsches Gefühl“ und „falsches Sentiment“ im Sinne von Sinn verstanden wissen will, wodurch „Kitsch“ auch unehrliche Gefühle zum Zwecke der Quoten- oder Auflagensteigerung in seinen Begriff mit einbezieht.

Was mich an dieser Stelle außerdem wieder dazu motiviert, die kühne These ins weltweite Gewebe zu werfen, dass Blogs, sind sie gut gemacht, das Zeug haben, den saturierten und behäbigen klassischen Journalismus zumindest zum Teil und zumindest mittelfristig abzulösen. Ein sehr berührendes Beispiel hat Spreeblick für den Kulturjournalismus gerade gegeben.

Der ehrliche und ohne journalistische Floskeln auskommende Text müsste für Feuilletonisten jedweder Gattung eine Warnung sein. Denn es gibt Dinge, die stärker sind als publizistische Standard-Klischees, verlogener Weichspüler und Marketing-Gags. Es gibt Dinge, die sich dem klassischen Denken des Journalismus nicht unterordnen lassen. Und das sind interessanterweise die Dinge, die die Menschen berühren. Und Menschen wollen keine Klischees. Sie wollen Fakten und Gefühle. Das können die herkömmlichen Medien nicht mehr leisten, weil sie zu sehr in ihren eigenen Schranken befangen sind. Blogs können das. Blogger sollten das wissen und nutzen.

… wie er Kindern gefällt. Ist aber beim genauen Hinsehen ein Monster. Gesehen in den Händen eines glücklichen Kleinkindes.

Aus welchem Film stammt dieses Tier?