Wunderbare Schrift, dieses Ding namens „Lassus“. Ich weiß noch nicht so recht, wie die Tasten belegt sind, und auch Kreuze bekomme ich bislang nicht hin. Und ich weiß noch nicht, ob sich damit wirklich ordentliche Noten schreiben lassen. Bei Gelegenheit probiere ich es mal aus. In jedem Fall ist es schön, dass es solche Schrifttypen gibt.

Liebe „Tagesschau“. Lasst doch die Finger vom Print, vom Web und überhaupt vom geschriebenen Wort. Eure Stärke ist das gesprochene Wort. Und jeder Mensch mit ein wenig Musikalität hört beim stillen Lesen eurer Geschichte hier: Dass was in der Melodie nicht stimmt: Mehrere Doppelpunkt-Sätze hintereinander sind Humbug: Als Einstieg schon drei Mal:

Also bitte. Tut sowas nie mehr. Punkt! Ende. Aus. Absatz.

Vermutlich ist es ein Redigierfehler, okay. Ihr habt euch gegen den alten Einstieg entschieden und einen neuen geschrieben, den alten aber leider nicht gelöscht, vermute ich. Und leider ist der erste Satz auch noch völlig krautig und salatig. Warum soll etwas ausgerechnet für die überraschend sein, die einem jede Überraschung zutrauen? Hä? Sorry, da steigen Herr und Frau Leser/in aus. Wahrscheinlich wolltet ihr den Satz deswegen auch killen. Gute Entscheidung.

Anyway: Wäre das ein Teleprompter-Text gewesen, hättet ihr den Holperer mit der Satzmelodie auch bemerkt. Da kann Lafontaine hinschmeißen, so oft er will und aus welchen Gründen auch immer. Euer Einstieg ist schlicht misslungen. Nicht, weil ihr euch nicht der Wirkung von Satzzeichen bewusst wärt, nein. Aber weil ihr euch halt verhaspelt habt. Außerdem könnten deutsche Journalisten auch mal wieder von dem Trip runterkommen, jeden Beitrag mit einem angeblich „anteasernden“ Doppelpunktsatz zu beginnen, das ermüdet auf Dauer. Hört halt mal auf mit diesem affektierten, prätentiösen Gehabe. Das führt vom Inhalt weg und lenkt die Aufmerksamkeit auf euer Problem, möglichst schick rüberkommen zu wollen. Doch genau das tut ihr damit leider nicht. Ihr kommt bemüht rüber.

Doppelpunkte erzeugen eine enorme Spannung in der Satzzeichen-Dramaturgie. Nur das Fragezeichen kann diese Spannung toppen – allerdings lässt sich das kaum vergleichen, da das Fragezeichen das einzige Spannung schaffende Satzzeichen bei den Fragen ist und der Doppelpunkt nur eine von mehreren Möglichkeiten bei Aussagen. Innerhalb der Aussagen also schafft der Doppelpunkt die größtmögliche Spannung. Die Satzmelodie auch beim stillen Lesen geht höher als etwa beim Gedankenstrich.

Ein No-Go ist es aufgrund der Spannungsentwicklung natürlich, Doppelpunktsätze hintereinander zu bringen. Eine Klimax will erst einmal aufgelöst sein, alles andere wäre ein Coitus Interruptus. Auf einen Höhepunkt darf kein weiterer Höhepunkt folgen. Erst, wenn die Spannung gelöst ist, kann man wieder eine Spannung aufbauen. Das ist jedenfalls in der Sprache und in der Sprachdramaturgie so.

Es ist auch okay, eine Spannung steigernd aufzubauen nach dem Hollywood-Prinzip „Mit einem Erdbeben beginnen und dann langsam steigern“:

Bla bla bla bla bla – bla bla bli blä blöh:

Aber dann muss der folgende Satz, sofern es um eine Aussage geht, mit einem Punkt enden – das finde ich übrigens viel stärker als ein Ausrufezeichen, weil das Gebrüll des Ausrufezeichens die Aussage schwächt. Brüllen muss nur, wessen Aussage nicht eindrücklich ist.

Oder aber, und das ist ein extrem starkes dramaturgisches Mittel, endet der auf einen Doppelpunkt folgende Satz mit einem Fragezeichen. Das hebt die Satzmelodie noch einmal und stellt wieder eine Klimax her. Aussehen tun tut das dann so aussehen:

Bla bla bla – bli bläh blub bla blöh: Bli bläh blub?

Dass diese Inszenierungen von Höhepunkten mit Musik zu tun haben, verstehen nicht unbedingt Germanisten, nur weil sie Germanisten sind, denn für ein Germanistikstudium bedarf es keinerlei Musikalität oder dessen, was E.T.A Hoffmann das „kindlich-poetische Gemüt“ nennt.

Es ist aber allen klar, die Musik machen. Begriffe wie Höhepunkt, Climax und Dominante sind Musikern geläufig. Spannungserzeugung ist viel mehr eine Gefühlssache als eine Frage der Systematik, die sich geisteswissenschaftlich objektivieren ließe, auch wenn natürlich die Musikwissenschaft versucht, solche Dinge festzuhalten (wie ich hier ja auch). In der Sprache jedenfalls ist der Aufbau einer solchen Erdbebensteigerungsspannung begrenzt, das soeben dargestellte Beispiel aus Gedankenstrich, Doppelpunkt und Fragezeichen lässt sich höchstens noch durch ein paar Kommata vorher steigern:

Bli bla blu, bla bla blöh – blie bläh blub: Bla bla bla?

Mehr ginge nicht, denn nach einem „Bli bla blu, bla bla bloh, bli bla blu“, wäre ein Punkt an der Reihe, wenn danach eine Spannung entstehen soll – das erfordert eine solche Trias nun einmal.

Anders in der Musik, in der sich Spannung nahezu unendlich steigern lässt – indem man einfach ständig die Dominante der Dominante bildet. Jede Tonika einer Dominante ist ihrerseits eine Dominante, und so lässt es sich damit wunderbar durch den Quintenzirkel springen.

A-Dur – D-Dur – G-Dur – C-Dur – F-Dur – B-Dur

… und so weiter. Am besten jeweils als Septakkorde.

Mir fällt auch immerhin ein Stück ein, das dieses Spannungsprinzip einigermaßen nutzt, und zwar der gute alte Marsch „Pomp and Circumstance“ von Edward Elgar. Um es mal ganz fußballerisch und iTunes-gebräuchlich zu beschreiben: Mit Beginn der dritten Minute (sinnigerweise ab 02:00) beginnt das Hauptmotiv dieses einfachen, aber beeindruckenden Stückes in der Grundtonart D-Dur, und der „Refrain“, wenn man ihn so nennen will, bezieht seine Spannung komplett aus dem Aufbau von Dominanten von Dominanten. Ein billiger Trick, wenn man ihn mal durchschaut hat, aber eben wirkungsvoll.

Dass Dramaturgie emotional wirkt, weiß jeder Filmwissenschaftler, der an bestimmten Stellen hundertfach gesehener Filme immer noch weint. Es weiß jeder Musiker und auch mancher Musikwissenschaftler. Und es weiß auch jeder Mensch mit Sprachgefühl, der die Wirkung von Sprache, Satzzeichendramaturgie und Melodieführung einerseits systematisierend durchschaut und bis hin zur Demagogie einsetzt, selbst aber angesichts einer ergreifenden Rede affektiv die Segel streicht. Kopf und Herz sind zweierlei Kanäle, und was die Sprache angeht, sind Satzzeichen ein unglaublich effektiver und zugleich leichter Zugang zum Empfinden anderer Menschen.

Relevant dabei ist nicht die Sachebene. Sondern es geht um den emotionalen Zugang. Etwas anderes zählt nicht. Menschen treffen Entscheidungen emotional. Selbst der nüchternste Kopfmensch handelt deswegen rational, weil er damit ein gutes Gefühl hat.

In der Sprache gilt jedenfalls, anders als in der Musik, klar das Dogma: Niemals: Mehrere: Sätze: Mit: Doppelpunkten: Hintereinander! Sonst steigen die Leute emotional aus, weil sie sich affektiv nicht richtig durch den Text geführt fühlen. Und: Ob jemand bis zum Schluss dabei bleibt, ist eine Frage der Dramaturgie. Daher geht es darum, die Leute genau bis zu diesem Punkt zu führen.

- Felix Mendelssohns Violinkonzert e-moll mit David Oistrach;
- Gustav Mahlers Sinfonie Nr. 6 a-moll mit dem Rundfunk-Sinfonie-Orchester Berlin in der alten Eterna-Pressung der DDR;
- „Under a blood red sky“ von U2 mit „Sunday bloody Sunday“;
- „April“ von Deep Purple;
- „Seconds out“ von Genesis;
- „Illustrated Musical Encyclopedia“ von Ryuichi Sakamoto;
- „Eight Miles High“ von Golden Earring.

PS: Und ach ja – im Zusammenhang mit Phono-Technik erfährt der Satz „Die Erde ist kaputt“ natürlich eine vollkommen andere Bedeutung als üblicherweise gewohnt.

e D e
e a D e a7 H e
a H e
e C H e e C D H e
e d H e
e G a e
e D e

Erstaunlicher Effekt insbesondere durch das d.

Es war ein Abend vor einigen Wochen im „Cheebo“ am Sunset Boulevard, Restaurant, wir waren zu sechst, Los Angeles, Großstadt, massenhaft Menschen, viel Quatschen, Hintergrundmusik, und dann reißt mich dieses Lied raus aus dem Gespräch.

Das Gefühl ist angesprochen, das Gehirn beginnt zu rechnen in Kadenzen, es bemüht die Harmonielehre … Und nun habe ich es endlich rausgehört, gehen wir mal von a-moll als Grundtonart aus:

g – a
f – d
d – a7 – f – g

Auf a7 bin ich relativ spät gekommen, aber es haut hin und ist auch ein Grund für die Spannung in diesen Harmonien. Die Idee ist eigentlich ganz einfach, die Dur-Akkorde aus herkömmlichem Pop und Rock einfach in Moll umzutransponieren und zu schauen, ob es geht. Man möge es am Klavier ausprobieren, es ist wunderschön. Übrigens auch für die Schlagzeugbegleitung, das aufgrund der Sanftheit anspruchsvoll, und die Breaks verführen zu Sextolen.

Diese Frau, Caroline du Bled, Pariserin, Sängerin der Berliner Gruppe „scorbüt“, ist mehr als nur Sängerin der Gruppe – sie zaubert. „Darstellerin“ wäre vielleicht ein passendes Wort: Mit ihrem sanft-zarten bis wuchtig-krassen Ausdruck holt sie aus Chansons wie „Madeleine“ von Jacques Brel oder „Der Wind hat mir ein Lied erzählt“ von Bruno Balz Charaktere heraus, die man in den großteils bekannten Liedern bislang nicht vermutet hat.

Dass das Ganze in einem Dorf namens Dahlhausen in der Prignitz stattfindet, ohne große Werbung, in einem liebevoll gemachten Kulturkeller, vermutet der unbedarfte Reisende nicht, und dass mir selbst dieser Abend vergönnt war, verdanke ich Bernd Linstädt, der immer mal wieder Künstler aufs Land holt und mir Bescheid gibt.

Da es an diesem Abend kühl und regnerisch ist, …

… sorgt im Keller ein alter Bullerjan-Ofen für Wärme …

… und fließt das Regenwasser durch die Tür in den Keller …

… das man dann aufschöpfen muss.

Die Atmosphäre im Kulturkeller ist einzigartig schön, ein altes Gemäuer, bis vor einigen Jahren noch voller Schutt, mit viel Liebe und Herzblut und Arbeit in einer Weise restauriert, die das Alte erhält und schon von vornherein nicht perfekt sein will. Denn mit dem Perfekten kommt bei der Sanierung alter Häuser oft etwas Steriles ins Spiel, und das findet sich hier zum Glück nicht.

Die Räume haben Seele, sie leben und versenden gute Energie, sie sind eine inspirierende Umgebung guten Geistes.

Passend zu den Chansons von Caroline, begleitet von dem Percussionisten Frank Scheewe, meist sitzend auf einer Cajon, und von Heiko Michels an der Gitarre, die gemeinsam das Publikum …

… verzaubern mit ihren überaus eigenwilligen Interpretationen und der unglaublichen Verwandlungsfähigkeit der Sängerin, sei es durch einen Geschwindigkeitsrekord mit dem Walzer „La Valse à 1000 temps“ (Jacques Brel) oder durch die unfassbar krasse Interpretation von „Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt“ von Friedrich Hollaender, in dem die Sängerin zu einem bemitleidenswerten Geschöpf wird, das in seiner Erotomanie gefangen und unbeweglich ist, so dass einem die Tränen kommen. Auch die beiden Jungs können wunderbar singen, und gemeinsam zaubern die drei Musiker dem Publikum mit einer kalten emotionalen Dusche durch „Akkordeon“ von Serge Gainsbourg die Gänsehaut über den Rücken.

In der Pause bezaubert das Landleben durch klare Luft nach dem Regen, mit einem leichten Aroma von Holzfeuer und Gesprächen mit den Künstlern, die soeben in Berlin ihre Record-Release-Party für ihre CD „Toutes directions“ hatten und auf dem Weg nach Paris sind, wo sie am 3. Juli ihre Frankreich-Record-Release-Party machen.

Am Ende des Abends, an dem Caroline mit in Stiefeln steckenden Netzstrümpfen immer wieder ihren Song-Zettel mit Füßen tritt …

… wird der Himmel nachtblau …

… und man kommt an einer alten Kutsche vorbei, die vor einigen Jahren noch bei uns in der Scheune stand.

Nächstes Konzert in Berlin: anlässlich des Sturmes auf die Bastille am 14. Juli im Kaffee Burger (U Rosa-Luxemburg-Platz).

Karaoke kennen alle. Die Maschine liefert den Soundtrack ohne Gesang, und man grölt dazu, unter möglichst viel Alkohol-Einfluss, bevorzugt in irgendwelchen rheinländischen Irish Pubs.

Schlagzeug-Karaoke ist more tricky. Das kann man zu Hause am Schlagzeug machen. Die Qualität ist meist höher als bei dem Desaster aus den Irish Pubs.

Dann gibt es Klavier-Karaoke. Einen Song eine Weile hören, sich darauf einstellen und einstimmen. Die Tonarten und Kadenzen mit sich ausmachen. Die Harmonien und Intervalle. Bis es passt eben.

Aber. Was. Ich. Vorgestern. Abend. In. San. Francisco. Erlebt. Habe. Das. Genau. Toppt. Alles.

Ich habe einen Meister meiner Art getroffen. Und seinen Kumpel.

Ich habe zwei Jungs erlebt, die mein Hobby zur Vollendung treiben. Sie spielen alles, was man ihnen vorgibt. Komplett egal, was. Sie haben alles drauf. Sie fragen das Publikum. Das Publikum nennt Songs. Die beiden spielen es und singen dazu. Und die Leute tanzen.

Nun kamen die beiden Pianisten und Sänger nicht aus San Francisco. Kevin (Foto links) kam aus Texas, und Jeff (rechts) kam aus Nevada. Ich will ja nicht meckern, aber im Unterschied zu Berlin in Deutschland kamen die beiden vom Ärmel der Welt. Wenn Europa hip ist, ist es noch lange nicht cool, aus Bayern zu stammen, das wissen alle, die nicht aus Bayern stammen. Oder es ist eben unhip, nicht aus Bayern zu stammen, und das wissen alle, die aus Bayern stammen.

Der Großteil des Publikums wollte Billy Joel und Elton John und solche Dinge. Kevin und Jeff spielten und sangen alles ohne Noten auswendig und wunderbar improvisiert. Für das Billy-Joel-Publikum trällerten sie brav dahin. Sie mochten ihr Billy-Joel-Publikum, weil es ihnen keine Mühe machte, deren Wünsche zu erfüllen. Mich mochten sie weniger, weil ich Arbeit verlangte. Andererseits mochten sie mich mehr, weil wir zum Teil einen ähnlichen Geschmack hatten. Ich wollte Radiohead, Nirvana, Madonna und Metallica. Kevin und Jeff spielten alles ohne Noten auswendig und wunderbar improvisiert.

Und ich wollte Robbie Williams. Der in Europa dafür bekannt ist, dass ihn im Amerika keiner kennt. Und Kevin spielte „Rudebox“ von Robbie Williams, ohne mit der Wimper zu zucken, auf dem Klavier, in irgendeinem Rock-Keller in San Francisco, und sang dazu. Jeff meinte hinterher: „I never heard this song before.“ Und Kevin antwortete: „It’s an European thing.“ Als ich „Californication“ wollte, höhnte Kevin, der Typ aus Europa da am Tresen sei wohl ein „romantic guy“. Aber dann spielte und sang er brav „Californication“.

Andere Seitenhiebe verteilten die Jungs mit allerlei Anzüglichkeiten in Richtung amerikanischer Bravleute, die ja aufgrund ihrer oftmals berühmten Furcht vor Erotik sehr leicht zu provozieren waren. Kaum schallte eine Zote durch den Raum, folgten ein paar besänftigende Töne aus einem der vielen Lobe-den-Herren-Gassenhauer der amerikanischen Freikirchen-Szene. Und zwei Sorten von Publikum gab es an dem Abend in San Francisco: Ein paar aufgewühlte, aufgedrehte Mädels am Tresen beim Abfeiern. Jede Zote der Sänger ein Juchzen. Andererseits: Zwei sehr verkniffene, ordentliche Mädels an einem Tisch. Ein Abend, ein Longdrink. Bei jedem frivolen Spruch der Musiker zeigte sich ein verschämtes Blitzen in den Augen, welches offenbarte, dass hinter der biederen Oberfläche möglicherweise mehr lauerte, zumindest der unterdrückte Wunsch danach. Die beiden kontrollierten Mädchen stammten aus Ohio. Die abfeiernden Mädchen dagegen kamen aus Kalifornien. Amerika ist eben nicht nur Amerika.

Vorgestern Abend bestand Amerika für mich aus zwei enthemmten Pianisten mit unglaublichem Gehör und musikalischem Gedächtnis. Und es schwebte im Raum ein zwar frivoler Geist mit Kontrollverlust unter jedem Fingernagel, aber ohne den Mut, die Kontrolle aufzugeben. Stattdessen durch unfreiwillige Pantomime sichtbar gemachte Versuche, die eigene Unkontrolliertheit zu kontrollieren.

Seltsame Welt.

Die akustische Berieselung des Abends auf dem Lande gehorcht stets der gleichen Abfolge: erst Tutti, dann Nachtigall solo, dann Kuckuck solo, dann Käuzchen im Duett und schließlich Nachtigall solo Reprise.

Und Frau Schröder hört’s nicht oder will’s nicht hören.

Foto: Cujau